Muestreo de cierre: 3 productores se sumergen en grabaciones de campo en esta miniserie

En lo que parece una caída caprichosa en la oscuridad, descendiendo, nuestro mundo durante COVID-19 a veces puede parecer tenso. Desde resistir este impulso de frotarte los ojos con las manos sin lavar, hasta pararte a dos metros de tu mejor compañero, la presencia del enemigo invisible parece considerablemente mayor. Sintiéndose vulnerable, la visión frecuente de las máscaras faciales y la distancia social de los demás ofrece esperanza. Si bien el mundo permanece en reposo para la mayoría, estas circunstancias imprevistas nos permiten apreciar mucho más las pequeñas cosas.

Para muchos artistas que trabajan en el ámbito de la música electrónica, no siempre tienen la capacidad de presionar la pausa. Con la mayoría de los espectáculos cancelados en el futuro previsible, muchos artistas están regresando a casa reflexionando, una rara oportunidad de encontrar gratitud en sus hogares. Una excelente manera de experimentar esto es a través de grabaciones de campo.

¿Por qué grabaciones de campo?

A menudo, al permitir a los oyentes obtener una comprensión mucho más profunda de la relación entre los reinos internos y externos, las grabaciones de campo como arte pueden cambiar la forma en que piensas acerca de los sonidos. Una vez que un tema de nicho, la opción de cualquier persona con un teléfono celular para grabar sonidos ahora lo convierte en una práctica común, especialmente desde que se introdujeron medidas de bloqueo.

Canalizando el ambiente del hogar con CHANEY

Desde texturas industriales hasta el entorno artístico, las grabaciones de campo son uno de los muchos métodos que presentan una perspectiva más amplia sobre el diseño de sonido y la vida misma. Theo Altieri, de Swindon, lo atestigua personalmente. Conocido como CHANEY, el productor de 23 años, con un consejo, aprovecha al máximo la situación actual, reutilizando el entorno doméstico, grabando sonidos cotidianos y creándolos en muestras para respaldar su arrogancia y vulnerabilidad.

Canalizando sus emociones a través de un tema de ‘escapismo de bloqueo’, CHANEY explica:

«Utilizando el ambiente hogareño de mi jardín y cocina, encontré una selección de sonidos orgánicos y seductores llenos de ambiente. Cosas como el sonido de la cascada en mi jardín me hacen sentir tan a gusto que me ayuda a olvidar las condiciones en las que nos encontramos, incluso eso por un momento «.

Profundizando, continúa: “Cuando estoy sentado en el jardín, con los ojos cerrados, y estás escuchando estos sonidos, puedes imaginarte en un lugar completamente diferente, de vacaciones en algún lugar, tal vez, y eso te quita un elemento de ansiedad. »

Inspirado por los orígenes italianos de su padre, CHANEY también quería traducir su pasión por la cocina en una presentación en vivo: “Con mermelada en vivo, entré más instintivamente, dejando de lado el paquete de muestra. Con las grabaciones de la cocina que usaba cuando cocinaba, elegí usar sonidos cada vez más cortos, como la estufa de gas para charles, la tabla de cortar para un tambor ligero … «, dice. «Así que armé esto con mi equipo de estudio y comencé a explorar las posibilidades de esas expresiones».

Capturando momentos crudos: por Hammar

Resistiendo la escalada técnica, las grabaciones de campo sirven como una educación en la belleza de la audición misma. Alejándose de los patrones de comportamiento de rutina, cuando escucha el entorno natural de forma selectiva y atenta, la oportunidad de una exploración más profunda comienza tan pronto como alcanza el récord. Jefe de manos sucias Por Hammar ya había preparado su mentalidad para esto cuando fue al estudio un día en Berlín. Al detenerse en el local Rossmann para conseguir algunos tambores para la grabadora, una canción de cuna reconfortante llamó su atención: detrás de él había una madre cantando a su bebé, un momento hermoso y crudo que Per luego logró capturar en audio.

En busca de los sonidos finales de su álbum de estudio debut, «Pathfinder», el nativo sueco descubrió una verdadera joya con su madre cantando. Él dice:

“La idea inicial que tenía para mi álbum era tener una marca de tiempo para representar lo que estaba sucediendo hoy, pero dentro del área de Berlín donde vivo. Quería crear algo adecuado para escuchar, contar un poco de una historia y depende de ti dictar la visión. «

Usando el canto como el sonido introductorio de ‘Mother’, la canción de apertura del álbum, Per fue muy intencional con su ubicación. «Cuando escuchas el sonido y no sabes dónde se grabó, es mucho más misterioso. Estás matando un sentido, no puedes ver de dónde está grabado, y eso es lo bonito, es como leer un libro y no mirarlo. para la película, necesitas usar tu imaginación para crear la imagen «.

Un verdadero audiófilo de corazón, Per cree firmemente en el objetivo medioambiental de la grabación de campo y las sutilezas mejoradas que aportan a una pista. «Si mantiene un sonido crudo en su forma tradicional tanto como sea posible, agrega más valor a la grabación», dice. «Cuando comienzas a producir, sabes que muchos productores aplican diferentes tipos de procesamiento a un sonido y lo tratan de una manera determinada cuando no es necesario tratarlo. La belleza está dentro del sonido original».

Una perspectiva de tren: Gajek

La belleza también está en el mundo que nos rodea. Es sorprendente lo impresionantes que son nuestros oídos y nuestras mentes al filtrar los sonidos que nos rodean. Desde los pájaros que cantan al viento que sopla sobre la hierba, este cambio de percepción puede cambiar la forma en que vemos el entorno natural. Residente de Berlín Matti Gajek encontró resonancia al grabar las corrientes constantes del tren que pasaban por su balcón.

«La estructura de los trenes es realmente el espíritu del norte de Berlín», dice. Generalmente vivo, detallado y urgente, así como su expresión musical, Gajek reconoce que los trenes han sido todo lo contrario desde el brote de Coronavirus: «Recientemente, cuando vi pasar los trenes, todos estaban mucho más vacíos de lo habitual. ve las luces encendidas, pero no hay ocupaciones en los trenes, como suele ser el caso, es fantasmal en cierto sentido «.

Al escribir esto desde su perspectiva de Alemania Oriental, su sinceridad natural transmite una inmediatez emocional en su enfoque musical, un tema constante en su próximo álbum Vitamina D. «Me gusta mantener estas grabaciones tan originales como sea posible y crear una distancia entre los instrumentos sintéticos y el sonido crudo de mi entorno, representa una conversación honesta sobre la división entre Alemania Occidental y Alemania Oriental».

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El resultado final es inconscientemente profundo, dada la pandemia actual, casi un recordatorio reflexivo de la libertad que teníamos y nuestros derechos actuales durante COVID-19, mientras intentamos adaptarnos a la nueva normalidad.

Con la distancia social probablemente aquí para lo previsible, es poco probable que bailemos juntos pronto. Sin embargo, esta separación física está demostrando ser el ancla creativa que define algunas de las músicas más intuitivas de la música electrónica. Desde diferentes percepciones hasta delicias naturales, todos descubrieron diferentes formas de navegar la incertidumbre para mejorar sus sonidos individuales, y todos percibieron una nueva sensación de gratitud hacia el medio ambiente, alimentada por el poder de la grabación de campo.